domingo, 27 de noviembre de 2011

La vida de un genio.



Charlie Parker nació en el seno de una familia humilde en un barrio de Kansas City. Con 13 años ingresó en el "College Lincoln" donde se despertó en el el interés por la música. Empezó a estudiar bajo la dirección de Alonzo Lewis, que había tenido como alumno suyo anteriormente a Walter Page entre otros. En la banda de alumnos del colegio, le pusieron a tocar la tuba, pero su madre -bendita madre- no lo consideró un instrumento adecuado para el y con sus ahorros le compró su primer saxo alto.

Aprendió el instrumento de forma autodidacta e intentando al principio imitar a los grandes saxofonistas de Kansas City, como Ben Webster y sobre todo, Lester Young. Era 1935, y con tan solo quince años tenía el carné de músico profesional del "Local 627", sindicato de músicos de Kansas; se acababa de casar con una compañera del colegio mayor que el; iba a ser padre y ya había probado todo tipo de estupefacientes en una ciudad, Kansas City, cuyo alcalde, Tom Pendergast, era un notorio gangster. En 1938 después de que el clarinetista, Buster Smith, le aconsejara sobre la técnica del saxofón y el uso adecuado de las boquillas y cañas, se marcha a Chicago y de allí salta a New York. Sobrevive fregando platos en un restaurante donde Art Tatum, tocaba el piano y tras cuatro de años con el carné de músico y tras varias experiencias importantes, Charlie Parker entra en la banda del pianista, Jay McShann, con quien permanecerá hasta 1942, siendo un elemento fundamental en la sección de saxos. Con Jay McShann, grabará sus primeros discos importantes y en ellos está el germen del genio extraordinario que vendría poco después. En una de las estancias de la orquesta de McShann en el Savoy Ballroom de Harlem, se cruza por primera vez con quien seria su alter ego musical, el trompetista, Dizzy Gillespie.

Cuando McShann, decidió regresar con la orquesta a Kansas City, Parker optó por quedarse en Nw York, y participar en la agitada vida musical de la ciudad. Sus jam sesión en el Minton's Playhouse, eran diarias y en ese tiempo, el sustento económico lo proporcionaba un contrato con la orquesta de Earl Hines. De aquel periodo no hay grabaciones debido a la prohibición de grabar discos que se prolongó hasta bien entrado 1944. En aquella banda cantaba un músico que posteriormente formaría la primera bigband bop de la historia; estamos hablando de la orquesta de Billy Eckstines y por la que desfilarían futuros gigantes del jazz moderno: Art Blakey, Miles Davis o Tadd Dameron. "Bird" apodo por el que ya se le conocía, dejó pronto la orquesta y forma un cuarteto para tocar en el club "Three Deuces" de la Calle 52 en una sesión liderada por el guitarrista Tiny Grimes para el sello Savoy. El bebop, estaba a punto de llegar.

En 1945, Charlie Parker grabará junto a Dizzy Gillespie, una serie de discos que, para la historia, quedaran como los primeros verdaderos testimonios de esa nueva forma de jazz. La música contenida en las sesiones de Savoy (1944-1948) y Dial (1945-1947) son hoy indiscutibles clásicos del jazz. En Diciembre de aquel año, encabezando con Dizzy un sexteto estelar se marcho a California con un contrata para tocar en el club "Billy Berg's" de Los Ángeles y la experiencia es un fracaso musical y económicamente. La adicción de Parker a la heroína es total y hay noches que no aparece por el club, lo que provoca que Dizzy Gillespie decidiera no tocar mas con el, cosa que cumple con contadísimas excepciones. Cuando Gillespie regresa a New York, Parker se queda en Los Ángeles dada la relativa facilidad con que allí encontraba la heroína. Su cuerpo no resistió y tuvo que ser ingresado en el Hospital Psiquiátrico de Camarillo, después de una sesión fatídica de grabación de la que salió un angustioso "Lover Man" con Parker casi sin poder sujetar el saxo.

Siete meses después, desintoxicado, pero nunca curado, regresa a New York e iniciará a partir de 1947 y durante cuatro años, la etapa mas brillante y creativa de su carrera. Charlie Parker, llevó el mensaje del bebop por los clubes mas importantes de New York, -incluyendo el que inauguraron en 1949, cerca d Broadway y que bautizaron "Birdland" en su honor- y de las principales ciudades del país. Firma un contrato con el sello Verve, tercera estación de paso obligatoria en su discográfica junto a las sesiones grabadas para Savoy y Dial. Empieza a llegarle los honores cuando las revistas especializadas: Down Beat y Metronome, lo eligen varias veces como "Numero Uno" en su instrumento. 1949, es el año de su primer viaje a Europa con ocasión del Primer Festival Internacional de Jazz de Paris. En 1950 vuelve a visitar Europa tocando en Escandinavia y en 1951, lo hace en una gira organizada por Norman Granz bajo el patrocinio del JATP.

Nuevas recaídas con la droga le avisan del estado de salud, y provocan que le sea retirado el carné para poder tocar en los locales de New York. Mantiene una relación amorosa y sentimental con Chan Richardson que le da un hijo y una hija. Es la muerte prematura de esta ultima en 1954 la que acelera su fin. Alterna sesiones musicales grandiosas con estados depresivos cada vez mas frecuentes, bebe como un cosaco y su conducta es cada vez mas caótica hasta el punto de que intenta suicidarse de nuevo. Su ultima aparición en Birdland, el 5 de marzo de 1955 será una autentica catástrofe. El día 9 sintiéndose mal se refugia en la cas de la Baronesa Pannonica de Koenigwarter donde falleció mientras miraba un show cómico en la TV.

Charlie Parker, tenía 35 años y su muerte según el parte médico del forense - que dejó escrito que el cadáver era de un hombre que aparentaba 60 años- fue producto de una combinación entre neumonía, ulcera de estomago, cirrosis e infarto posterior. Al día siguiente, apareció por todas las paredes de New York, y en los vagones de metro, graffitis e inscripciones que decían: "BIRD LIVES". Y tenían razón. Charlie Parker, el más extraordinario saxo alto y el mas grande improvisador de toda la historia del jazz, había, en poco mas de una década, cambiado con su música el curso de esa misma historia de forma imparable y las consecuencias de su gigantesca aportación sigue hoy tan valida como entonces.

Y esta señoras y señores fué la vida de un genio.

lunes, 7 de noviembre de 2011

Mezcla Curiosa

Biografía

Chano Domínguez nace en Cádiz el 29 de marzo de 1960. Su primer contacto con la música le llega a través de su padre, un gran aficionado al flamenco. A los ocho años, sus padres le regalan su primer instrumento, una guitarra flamenca. De este modo pudo practicar, de forma autodidacta, todo aquello que había escuchado en los discos de música flamenca de su padre, para luego tocar con los amigos del barrio.

A los doce años entra en contacto con las teclas, ya que entra a forma parte del coro de su parroquia y, a escondidas, toca el viejo órgano de fuelles de la iglesia. Poco más tarde, conquistado por el sonido del piano, empieza a tocar en grupos de música folklórica y comercial. Con la mayoría de edad, llega su primer grupo, CAI, con el que empieza a hacer sus primeras composiciones y con el que graba su primer disco: Más allá de nuestras mentes diminutas (CBS). CAI graba un total de tres discos con la compañía discográfica CBS y se convierte en uno de los máximos exponentes del movimiento musical denominado “rock andaluz”. El grupo se disuelve en 1981 y Chano se acerca cada vez con más fuerza al jazz.

Se proclama ganador de la Primera Muestra Internacional para Jóvenes Intérpretes, celebrada en Palma de Mallorca en 1986. En 1988 realiza una gira por Alemania y al año siguiente por Bélgica. En 1990 es finalista del Concurso Internacional de Piano Martial Solal, celebrado en París.

En 1992 forma su propio trío: Chano Domínguez Trío. En su mente surge la idea de fusionar los ritmos del flamenco (alegrías, soleásy bulerías) con las formas musicales del jazz. Ese mismo año, obtiene por unanimidad del jurado, el Primer Premio en la Muestra Nacional de Jazz para Jóvenes Intérpretes de Ibiza. Impulsado por este reconocimiento profesional a su trayectoria y a su personal concepto del jazz y del flamenco, el pianista gaditano edita su primer trabajo en solitario, Chano (Nuba Records). En este trabajo le acompaña su trío, compuesto por el excepcional contrabajista Javier Colina y el también genial batería Guillermo McGill. Este disco cuenta con la colaboración especial de los célebres músicos Jorge Pardo, El Bola y Carles Benavent, entre otros.

En 1996, vuelve a la primera línea del panorama musical español con el trabajo Hecho a mano (Nuba Records), que supone un avance firme y maduro dentro de su característico discurso de jazz-flamenco.

En diciembre de 1997 se edita el disco En Directo. Piano solo, grabado en directo en el Café Central de Madrid, trabajo en que incluye composiciones propias y standards españoles y americanos.

En 1998, realiza la gira Son Cubano & Flamenco junto a Gonzalo Rubalcaba y participa en los Festivales Internacionales de China, Colombia, Alemania, Argentina y Cuba, en el Festival Jazz Plaza 98 de La Habana, al cual es invitado por la SGAE y la Fundación Autor. La revista Cuadernos de Jazz le otorga el premio de Mejor Álbum de Jazz 1998 por su trabajo En Directo. Piano solo y es, además, ganador del Premio al Mejor Álbum Jazz en la III Edición de los Premios de la Música. Junto a los músicosHozan Yamamoto (Japón) y Javier Paxariño produce el disco Otoño (Nuba Records).

En 1999, graba un nuevo trabajo, Imán, con el que vuelve a ganar como Mejor Álbum Jazz en la IV Edición de los Premios de la Música.

En el 2000 produce y dirige la grabación del álbum Tú no sospechas, junto a la gran compositora Marta Valdés, con quien realiza una gira conjunta por distintas ciudades españolas en la primavera de 2001, acompañados por Javier Colina y Guillermo McGuill.

Despide el 2000 con un concierto especial en La Habana junto a Chucho Valdés y Herbie Hancock.

Entre 2001 y 2002, realiza una gira por EUA con el proyecto de Calle 54 junto a Eliane Elias, Paquito D’Riveray Jerry González, entre otros. En 2002 graba su nuevo disco Oye cómo viene (Lola Records), editado también en DVD, Mira cómo viene (Lola Records), y es nominado a los Premios Grammy en la categoría de Jazz Latino.

Otro proyecto llevado a cabo en 2003 es el álbum Con alma (Venus Records), grabado junto a dos otros grandes músicos: Jeff Balard a la batería y George Mraz al contrabajo. El álbum Chano Domínguez, 1993-2003 (Nuba Records) recopila los mejores temas del artista de la última década.

En 2004, realiza de nuevo una gira por distintos países de Suramérica, que incluye Costa Rica y Venezuela. Ese mismo año acepta un nuevo reto: la adaptación de los temas populares recopilados por Federico García Lorca para el espectáculo El café de las chinitas, del Ballet Nacional de España, bajo la dirección de José Antonio y la escenografía de Lluís Danès.

En 2005 graba el álbum Acércate más (RTVE Música) con Guillermo McGill a la batería, Miguel Angá a la percusión y George Mraz al contrabajo. Más adelante ese mismo año, comparte escenarios europeos con Jack de Johnette Quintet y es reclamado en prestigiosos festivales europeos de jazz: Festival de Montreux (Suiza), The North Sea Festival (Holanda), Festival de Jazz de Marziac y de Vienne (Francia), Festival de Jazz de Florencia (Italia) y Festival de Jazz de Viena.

El primer proyecto de 2006 es Cuentos del Mundo (LKY Records), un disco de cuentos compuestos por Chano Domínguez y Marina Albero, narrados por la inconfundible voz de Constantino Romero y cantados por la pequeña Serena. Con este trabajo, Domínguez abandona temporalmente el jazz para componer, interpretar, grabar, mezclar y producir un fantástico viaje por el mundo para toda la familia.

El proyecto de más envergadura de Chano Domínguez nace en 2006: NFS, una formación que cuenta con más de diez músicos y con la que han grabado el álbum NFS, New Flamenco Sound (Verve, Universal), una combinación única de jazz y flamenco. Para este trabajo, Chano Domínguez vuelve a rodearse de excelentes músicos: Marc Miralta a la batería, Israel Suárez “Piraña” a la percusión, palmas y jaleos, Tomasito a las palmas y jaleos, Marina Albero a los teclados, vibráfono y salterio; Blas Córdoba a la voz, palmas y jaleos;Jordi Bonell a la guitarra, Diego Urcola a la trompeta, Llibert Fortuna al saxo alto y efectos; y con la colaboración de Steve Berrios y de Katherine Miller.

En 2007, los componentes de NFS realizan una gira por distintas ciudades españolas, y viajan a Mexico, donde recogen excelentes críticas tras inaugurar la XXIII Edición del Festival de México en el Centro Histórico. En abril, Chano Domínguez es solicitado por la Orquesta Sinfónica de Liepjaja (Letonia) para interpretar sus composiciones de De Cai a New Orleans; también es invitado al festival La cité de la musique de París.

Durante el año, 2008 destacar sus actuaciones con el Sexteto junto a Wynton Marsalis en el Lincoln Center de Nueva York a finales de abril y posteriormente la participación del Trío de Chano Domínguez en el Festival de Jazz de San Francisco el 2 de mayo de 2008. Por otra banda continua colaborando en las actuaciones con el Ballet Nacional y su espectáculo Café de Chinitas por diferentes teatros nacionales e internacionales.

En 2010 se edita “Piano Ibérico”, una recopilación de las obras de Isaac Albéniz, Manuel de Falla, Enrique Granados y Frederic Mompou, versionadas desde la visión personal de Chano Domínguez




Disfrutad de este genio del jazz fusión en general...

A pasarlo bien¡¡¡

lunes, 14 de marzo de 2011

Bill Evans

Nacido y crecido en Nueva Jersey, Evans fue a la Southeastern Louisiana University con una beca de flauta, y allí recibió clases teóricas, tocó en la banda y jugó al fútbol americano. Graduado en piano en 1950, comenzó una gira con la Herbie Fields band, pero fue llamado pronto a filas y terminó tocando en la Fifth Army Band cerca de Chicago. Tras tres años de servicio, llegó en 1954 a Nueva York, tocando en el cuarteto de Tony Scott y con el guitarrista Mundell Lowe, y emprendiendo estudios de posgraduado en el Mannes College, donde se encontró con el compositor George Russell y sus teorías sobre jazz modal. Hacia 1956, había grabado ya su primer álbum como líder para la compañía Riverside, New Jazz Conceptions, todavía dominado por el estilo bebop del maestro de pianistas Bud Powell, pero presentando ya la que iba a ser su composición más conocida, "Waltz for Debby", que había escrito durante su estancia en el ejército. Su primer disco como líder y el primer trabajo en el formato de trío que se iba a asociar a su nombre: piano, contrabajo y batería. Sale al mercado en enero de 1957 y pese a las buenas críticas solo vendió ochocientas copias durante el primer año.
En poco tiempo tocó con Charles Mingus, Art Farmer, Lee Konitz y Oliver Nelson y más tarde, en el 58, recibió el “Premio al pianista revelación”. De todas sus colaboraciones, las más significativas fueron con George Russell (arreglista), Art Farmer y Hal McKusick en “Concerto for Billy The Kid”.
En la primavera de 1958, Evans comenzó una colaboración de ocho meses con el Miles Davis Sextet, ejerciendo una poderosa influencia sobre Davis. Aunque abandonó al trompetista en el otoño, exhausto por las presiones y ansioso de formar su propio grupo, estuvo profundamente involucrado en la planificación y ejecución del disco Kind of blue (editado en 1959), contribuyendo con ideas sobre el estilo, la estructura y la improvisación de tipo modal, y colaborando en varias de las composiciones. Kind of Blue -el mayor éxito de ventas nunca obtenido por un disco de jazz acústico - contiene las que quizá son las más conmovedoras interpretaciones de la carrera de Evans. En este período tambien graba dos álbumes con Cannonball Adderley, también miembro de la banda de Davis en esta época.
Evans volvió a la escena como líder en diciembre de 1958 con el álbum Everybody Digs Bill Evans, que incluye el famoso tema "Peace Piece". Su imagen quedó completamente definida cuando trabajó junto con Paul Motian (batería) y Scott La Faro (contrabajista). Este trío reinventó el concepto de interpares dando tanto protagonismo al contrabajo como al piano, rompiendo los conceptos de instrumento solista y acompañantes. El contrabajo pierde casi por completo sus funciones metronómicas. Con este grupo, Evans se convirtió en una estrella. Por desgracia, La Faro murió prematuramente a los 25 años; Evans pasó un año de retiro. Regresó la primavera siguiente con Chuck Israels como bajista; tocó en dúo con el guitarrista Jim Hall y en una sesión de swing en quinteto, Interplay, con Hall y el trompetista Freddie Hubbard.
Tras grabar con Verve en 1962, Evans fue animado por el productor Creed Taylor a continuar grabando en los más variados formatos: con la big band de Gary McFarland, con una orquesta con arreglos de Claus Ogerman, con Stan Getz, etc. En 1975 y 1976 grabó un par de discos a dúo con Tony Bennett, por los que ganó un Grammy. El experimento más destacable fue Conversations With Myself, una sesión en la que Evans tocó un segundo y un tercer piano sobre el primero. Su única concesión al emergente jazz-rock fue tocar eventualmente el piano eléctrico Fender Rhodes durante la década de 1970. Luego, su carrera está vinculada a numerosos tríos. Tras pasar por Verve, Evans grabaría para Columbia (1971-1972), Fantasy (1973-1977) y Warner Bros (1977-1980). Su último trío con Marc Johnson y Joe La Barbera ha sido considerado el mejor desde el que formó con Scott La Faro y Paul Motian.
Murió debido a una insuficiencia hepática y a una hemorragia interna provocadas por la adicción a la heroína y cocaína.








Sin ninguna duda uno de los grandes genios del jazz moderno y del periodo de vanguardias de los años 60.



 Como novedad introducire una breve lista con la discografía recomendada.






  1. New Jazz Conceptions 1956 7   (con Teddy Kotick e Paul Motian – Riverside)
  2. Everybody Digs Bill Evans 1958 34  (con Sam Jones e Philly Joe Jones – Riverside)
  3. Other Pieces 1959 34   
  4. The Ivory Hunters 1959 39  
  5. Undercurrent with Jim Hall 1959 ? 
  6. Portrait in Jazz 1959 47   (Riverside)
  7. Live at Birdland 1960 (PQ)  
  8. Explorations 1961  (Riverside) (con Scott La Faro e Paul Motian - Riverside)
  9. Live at Village Vanguard I 1961  (con Scott La Faro e Paul Motian - Riverside)
  10. Live at Village Vanguard II 1961  (con Scott La Faro e Paul Motian - Riverside)
  11. Know What I Mean 1961  
  12. Nirvana 1962     
  13. Solo 1962     
  14. Camera Three-TV soundtrack 1962   
  15. How My Heart Sings 1962  
  16. Interplay I 1962   (con Freddie Hubbard, Jim Hall, Percy Heath, Philly Joe Jones – Riverside)
  17. Interplay 2 1962    (c.s.)
  18. Empathy 1962     
  19. Moonbeams 1962    
  20. Undercurrent, duo con Jim Hall 1962 (Blue Note)
  21. Peace Piece and Other Pieces (o Loose Blues) 1962 (con Zoot Sims, Jim Hall, Ron Carter, Philly Joe Jones)
  22. V.I.P. and other Themes 1963  
  23. Conversations with Myself 1963   (piano solo, sovrainciso tre volte)
  24. At Shelly's Manne Hole 1963  
  25. Trio 64 1963    
  26. Trio in Europe 1964 (PQ)  
  27. Waltz for Debby  (con Monica Zetterlund) 1964  (Riverside)
  28. Live at the Trident 1964  
  29. The Getz/Evans Sessons 1964   
  30. Trio 65 1965   (con Chuck Israels e Larry Bunker - Verve)
  31. with Symphony Orchestra 1965   
  32. In Berlin and Copenhagen with Lee Konitz 1965
  33. Bill Evans At Town Hall 1966   (con Chuck Israels e Larry Bunker – Verve)
  34. Intermodulation 1966     
  35. Simple Matter of Conviction 1966  
  36. Further Conversations 1967    
  37. California Here I Come 1967  
  38. California Here I Come 1967  
  39. Bill Evans at the Montreux Jazz Festival 68 1968  (con Eddie Gomez e Jack De Johnette – Verve)
  40. Alone 1968     
  41. Camera Three TV soundtrack 168 (PQ) 
  42. At Pescara, Italy 1969   
  43. What's New? 1969    
  44. Quiet Now 1969    
  45. From Left to Right 1970  
  46. Montreux '70 1970    
  47. The Bill Evans Album 1971  
  48. Living Time 1972    
  49. At Ronnie Scotts 1 1972 (PQ) 
  50. At Ronnie Scotts 2 1972 (PQ) 
  51. Live at Ljubliana 1972   
  52. Hamburg Workshop 1972    
  53. The Tokyo Concert 1973   (con Eddie Gomez e Marty Morell – Fantasy)
  54. Jazz Workshop Boston 1973   
  55. Symbiosis      
  56. Live in Europe 1974   
  57. Rehearsal w/Eddie Gomez 1974   
  58. Live at Camp Fortune, CN 1974 
  59. Laren Festival w/Stan Getz 1974  
  60. Since We Met 1974   
  61. Re: Person I Knew 1974  
  62. Intuition 1974     
  63. Bill Evans/Tony Bennett 1975   
  64. Montreux III 1975    
  65. Antibes Festival 1975    
  66. Alone Again 1975    
  67. Quintessence 1976     
  68. At Ronnie Scotts 1976   
  69. Live in Marseille I 1976  
  70. Live in Marseille 2 1976  
  71. Together Again w/Tony Bennett 1976  
  72. Crosscurrents 1977     
  73. At the Top 1977   
  74. I Will Say Goodbye 1977  (con Eddie Gomez ed Eliot Zigmund – Fantasy, registrato nel 1975)
  75. You Must Believe in Spring 1977  (con Eddie Gomez ed Eliot Zigmund – Fantasy)
  76. From the 70's 1973-1977   
  77. New Conversations 1978    
  78. At Montreux w/Kenny Burrell 1978  
  79. In stockholm w/Monica Zetterlund 1978 (PQ) 
  80. Nice Festival 1978    
  81. Affinity, con Toots Thielemans 1978  (con Larry Schneider, Marc Johnson, Joe La Barbera – Warner Bros) 
  82. We Will Meet Again 1979  
  83. At the Maintenance Shop I 1979 (PQ)
  84. At the Maintenance Shop 2 1979 (PQ)
  85. Paris Concert 1 1979   
  86. Paris Concert 2 1979   
  87. Live at Lelystad 1979   
  88. Live at Lulu Whites 1980  
  89. At Harvard University 1980   
  90. Duets with John Lewis 1980  
  91. Live at Village Vanguard 1980  
  92. Live at Village Vanguard 1980  
  93. At Ronnie Scotts 1 1980 (PQ) 
  94. At Ronnie Scotts 2 1980 (PQ) 
  95. At Ronnie Scotts 3 1980 (PQ) 
  96. At Ronnie Scotts 4 1980 (PQ) 
  97. At Ronnie Scotts 5 1980 (PQ) 
  98. At Ronnie Scotts 6 1980 (PQ) 
  99. At Ronnie Scotts 7 1980 (PQ) 
  100. At Ronnie Scotts 8 1980 (PQ)
  101. Molde Jazz Festival 1980


martes, 22 de febrero de 2011

Oscar Peterson

Hoy doy comienzo a una serie de entradas que iré intercalando junto a otras de diversos temas en el blog.

Estas entradas irán dedicadas a grandes músicos del jazz que a mi parecer son o han sido grandes figuras que merecen todo nuestro respeto y admiración y de los que debemos recopilar toda la información posible si queremos seguir haciendo llegar el jazz a la gente y hacer que este se conserve y perdure por muchos años más. 

Hoy con todos ustedes el archiconocido Oscar Emmanuel Peterson. 

Oscar Peterson, es algo más que un pianista síntesis entre Art Tatum y Bud Powell, como muchas biografías lo encasillan. Es evidente que además de eso, mas los influjos de Hank Jones, George Shearing y James P. Johnson, dan un  pianista con suficientes rasgos personales como para ser considerado un caso aparte. Su portentosa capacidad instrumental y el desarrollo extraordinario de un concepto particular del trío, son suficientes argumentos para constatar la capacidad y la calidad de un músico que ha alcanzado con las 88 teclas del piano, una fuerza expresiva, un poder rítmico, y un sentido del blues absolutamente extraordinario.
     Su infancia estuvo rodeada de música. Su padre y sus dos hermanos mayores tocaban el piano y el órgano y él se inicio en la trompeta hasta que una tuberculosis le aconsejó dejar los instrumentos de viento. A los catorce años ganó su primer concurso de aficionados al piano y a partir de ahí estudió el piano de Teddy Wilson, su primera gran influencia. Art Tatum, se cruzó en su camino y dada su memoria musical, pudo retener la complejidad de las piezas de Tatum y tener la capacidad de reproducirla con absoluta y notable fidelidad. En 1944, se integró en la banda de Johnny Holmes, una de las mas celebres de Canadá. En 1949, mientras Norman Granz, viajaba en un taxi camino del aeropuerto de Montreal, le oyó casualmente y tras contactar con él le firmó un contrato para su famoso Jazz at the Philharmonic, un grupo itinerante que contaba sus actuaciones por todo el  mundo por éxitos multitudinarios.
     Oscar Peterson, debutó con el JATP, en el Carnegie Hall de New York en septiembre de 1949 y el público quedó fascinado por su asombrosa velocidad al piano. Fueron dos años a partir de ahi intensísimos con los que tuvo la oportunidad de tocar en todos los formatos y con todos los grandes músicos de jazz de la época. En 1951 formó su primer trío con el contrabajista, Ray Brown y el guitarrista, Irving Ashby, enseguida sustituido por Barney Kessel. El trío se ganó un espacio propio dentro de la organización de Norman Granz y un poco mas adelante, para acallar las criticas que sugerían que Peterson no sería tan veloz al piano con el soporte rítmico de una batería en vez de una guitarra, contrató al baterista, Gene Gammage, luego sustituido por por Ed Thigpen.  Aquel cambio provocó que el dialogo a tres voces de los músicos se convirtiera en un monologo brillante pero lineal.
     Oscar Peterson, fichó en 1964, por el sello MPS y de las prolongadas estancias que el pianista pasó en la mansión de su nuevo productor, Hans Georg Brunner-Shewer, salieron algunas sesiones memorables que parecían contagiadas de la exuberante serenidad de la Selva Negra alemana, en cuyo entorno se grabaron. Los cuatro volúmenes de la serie "Exclusively For My Friends", fueron especialmente importantes y muy en particular el álbum titulado: "My Favorite Instrument". En 1973, Peterson regresó con Norman Granz con quien volvió a grabar numerosísimas sesiones de estudio, conciertos en directo, participación en festivales, reuniones de "All Stars", en dúos, tríos, cuartetos etc.
     Su abundantísima y excelente discografía llega hasta nuestros días, a pesar de que en 1993, sufrió un derrame cerebral que le paralizó el lado derecho de su cuerpo e hizo temer, si no por su vida, si por su capacidad creativa en su carrera, pero su entereza moral y su fuerza física, aunque lógicamente con alguna merma, le ha devuelto a la música para disfrute de sus numerosísimos seguidores.
 Oscar Peterson falleció el 23 de diciembre de 2007 en su residencia de Mississauga en Ontario (Canadá).


Junto a esta entrada añado una pequeña lista de reproducción de youtube con algunos de sus mejores videos junto a eminencias como Joe Pass,Niels Henning Orsted Pedersen y Martin Drew

domingo, 20 de febrero de 2011

Bienvenidos

Bienvenidos al garito del jazz.

Hoy estreno este blog para toda la comunidad hispanohablante a la que le guste el jazz y disfruta de el tanto escuchándolo como tocándolo.

De momento el estado del blog es muy  precario y   solo contamos con la sección de vídeos y entradas pero tranquilos porque poco a poco iremos incluyendo más y añadiendo más secciones por favor recomiendo encarecidamente postear y comentar para así tener una comunidad lo más activa posible y así ir mejorando todo el proceso de intercambio de información etc

Un saludo keep playing.